张大千画论

一、绘画创作

画山水画，一定要实际，即要多看名山大川、奇峰峭壁、危峦平坡、烟岚云霭、飞瀑奔流。

1、山水

国画中山水的境界最为重要，然而也要笔墨来辅助。有了境界，但是没有笔墨，或者有了笔墨，但是没有境 界，也就不成为名画。它那结构和位置，必须特别加意，如画寺观，这些地方就不宜象人家的庐舍，好像和讲风水一样。这个说法，要多看古人名迹，以及名山大 川、名胜古迹，自然会了解的。

假如画了一张画，其中主要安置人家处，却恰恰似一块坟地。这样的画，挂在中堂上面，试问别人看了，舒服 不舒服呢？还能引人入胜吗？郭河阳论画，要可以观，可以游，可以居。他所谓可以观的，是令人一看这张画，就发生兴趣，要一看再看，流连不舍。第二步就想去 游玩游玩，第三步就联想到，这样的好地方，怎样能够搬家去住才好呢！这样的山水才算够条件了。有些人说中国山水画，是平面的，画树都好像是从中间锯开来 的，这话绝不正确。中国画自唐宋而后，有文人画一派，不免偏重在笔墨方面，在画理方面，比较失于疏忽。如果把唐宋大家名迹来细细的观审，那画理的严明，春 夏秋冬，阴晴雨雪，简直是体会无遗。董源画树，八面出枝，山石简直有夕阳照着的样子。关同画丛树，有枝无干，岂是平面的吗？画山水一定要实际，多看名山大 川，奇峰峭壁，危峦平坡，烟岚云蔼，飞瀑奔流。宇宙大观，千变万化，不是亲眼看过，凭着意想，是上不了笔尖的。眼中看过，胸中自然会有，一摇笔间，自然会 一齐跑在你手腕下。

画山最重要皴法，古人有种种名称，只不过就其所见的山水而体会出来的。应该用那一种皴法传出，那所见的 形状如何，遂名叫作某某皴，并非勉强，非用此皴法不可。如北苑用披麻皴，因为江南的山，土多过石，有因为要画的林木蓊郁，自宜于用这皴法。若范华原画北方 的山川，太行王屋，石多过土，地也高亢，草苔也稀少，自然宜于用泥里拔钉、雨大墙头、鬼面这些皴法。设使二公的皴法，互相变换，又成何面目？所以我的意 思，山水皴法不必拘泥，只要看适于某一种，就用某一中皴法。古人皴法，略举数种，荷叶皴、大小斧劈皴、披麻皴、雨打墙头皴、泥里拔钉皴、云头皴、折带皴、鬼面皴、牛毛皴、马牙皴、卷云皴、此皆常用者。

--《山水》

2、人物

画人物最重要的是精神。形态是指整个身体，精神是内心的表露。在中国传统人物的画法上，要将感情在脸上 含蓄地现出，才令人看了生内心的共鸣，这个当然是很不容易的。然而下过功夫，自然是会成功的。杜工部说："语不惊人死不休。"学画也要这样苦练才对。画时 无论任何部分，须先用淡墨勾成轮廓，苦工笔则先须用柳炭描之，由面部起先画鼻头，次画人中，再次画口唇，再次画两眼，再次画面形的轮廓，再次画连耳，画鬓 发等。待全体完成以后，始画须眉，须眉宜疏淡不宜浓密，所有淡墨线条上最后加一道焦墨。运笔要有转折虚实才可表现阴阳凹凸。有时淡墨线条不十分准确，待焦 墨线条改正。若是工笔着色，一样的用淡墨大底，然后用淡赭石烘托面部，再用深赭石在淡墨上勾线，衣褶如果用重色，石青石绿那就用花青勾头一道，深花青勾第 二道，硃砂用岱赭或胭脂勾它。不论脸及衣赭的线条都要明显，不可含糊没有交代。巾帻用墨或石青，鞋头用硃砂或石青或水墨都可以，看他的身份斟酌来用。画人 身的比例，有一个传统的方法，所谓"行七坐五盘三半"，就是说站起的人除了头部之外，身裁之长恰恰等于本人七个头，新时代的标准美人，八头身高比例之说，那知我们中国早已发明若干年了。

--《人物》

3、画梅

老干上不可以着花，因为无姿态的缘故。为显示干的苍老，所以不能不点苔藓鳞皴,表示它经过雪压霜欺,久 历岁寒,但是它的贞固精神,是超卓绝特的。点皴时,光用焦墨秃颖，依着它的背点去，一定要点圆点，若点成尖长形，那就不是树上的苔，而是地面的草了。更不 可作横点，如山水中树上所点。待等墨干后，用淡墨加点一次，比较有生动的气味，不然那就枯而燥了。若是着色的，那就用草绿加在焦墨上面，或头二绿也可以，不是全部盖满，而是偶尔留几点焦墨在上面，也自生动自然。

--《画梅》

我画荷的心得便是：看上去总要使它宛如矗立在水中央一般！

4、画荷

中国画重在笔墨，而画荷是用笔用墨的基本功。画荷主要在于画荷叶及荷梗。

--《与糜耕云的谈话》

画荷，最易也最难。易者是容易入手，难者是难得神韵。

--叶浅予《张大千的艺术道路》

我的画荷的心得便是：看上去总要使它宛如矗立在水中央一般！

--《与薛慧山的谈话》

古人画竹称作写竹，因为画竹是等于写字一样，用笔要完全合乎书法。

5、画竹

古人画竹称作写竹，因为画竹是等于写字一样，用笔要完全合乎书法。书法第一要诀，一定要练好永字，因为 永字已包括侧、勒、努、趯、策、掠、啄、磔八种方法。这些方法都通用于写竹。竹枝更须用篆书的方法，画竹叶也要写成个字和介字、川字开关但必须要用一二笔 来破开。古人所说的："逢个不个，逢介不介，逢川不川。"就是这个道理。画竹应该先写竹竿，从上写下，象字一样，没有由下写上的道理。每一竹节为一段，起 笔略重，一搨直下，驻笔向左略略一踢就收，一节一节的画下去，梢头稍短，渐下渐长，到近根的地方，又慢慢的短下来。待画完时，然后出枝画叶，在离开的竹节 空处，用浓墨写一横道，用笔要从逆势进去然后翻出来，两头放起，叫做点节。竿要上下粗细差不多，切忌两头大，中间细，叫做蜂腰鹤膝，是不可以的。讲到顺 势，直的竹竿必须从上到下，这是顺笔。如果竹竿倒在右边，是应该从上而下，或从外向内呢？我以为要是竹竿偏倒在右边，就要从下或里向外画了。这完全是要看 情形，顺着落笔势的关系。最后就画竹叶。竹叶必须生动，决不可将竹安排得如图案一样，尤忌部位一样，必定要非常自然。竹法有双勾写意两种，双勾那就是用线 条勾成轮廓，然后再填色，这是工笔画竹，必要充分了解竹的生长状态和结构，一笔不得苟且，这种可以叫作画竹。写意的竹，也要分层次，近的竹在前，要用浓 墨，远的竹在后，要用淡墨，这才能够分得出前后、明暗的层次，增加韵味，可是有一点要记着，每一根竹是用浓墨，就全部用浓墨，用淡墨就全部用淡墨，绝不要 在一笔上弄巧，兼有浓淡二色，反为不美。竹有风竹、雨竹、暗竹、老竹、新竹、新篁的分别。风竹是要表现竹在风中的姿态，枝叶要随着风向，作斜横飘动的状 态，最不易表现者，为竹竿要能够在风中有弹性动态的感觉。雨竹的枝叶稍下垂，有湿重的意思。老竹是竿粗叶少，新篁乃是竿细枝柔，叶叶向上。还有在竹节每节 上出枝及芽的问题，往往为人忽略，根据实状，每一竹节在左发枝，一定在右发芽，第二节则一定变为在右发枝，在左发芽。作画虽小地方也要注意，如作诗词，要 字斟句酌。石涛写竹，昔人称其好为野战，但是他的生动有风致，那种纵横态度实在赶不上。但是我们不可以去学。画理严明，应该推崇元朝李息斋算第一人，从他 入门，一定是正宗大路。

--《写竹》

二、关于画家秘诀

画家自身便认为是上帝，有创造万物的特殊本领。

有人以为画画是很艰难的，又说要生来有绘画的天才，我觉得不然。我以为只要自己有兴趣，找到一条正路，又肯用功，自然而然就会成功的。从前的人说："三分人事七分天"，这句话我却极端反对。我以为应该反过来说："七分人事三分天"才对，就是说任你天分如何 好，不用功是不行的。世上所谓神童，大概到了成年以后就默默无闻了。这是什么缘故呢？只因大家一捧，加之父母一宠，便忘乎其形，自以为了不起，从此再不用 功。不进则退，乃是自然趋势，你叫他如何得成功呢？在我个人的意思，要画画首先要从勾摹古人名迹入手，把线条练习好了；写字也是一样。要先习匀双勾，接着 便学习写生。写生首先要了解物理，观察物态，体会物情。必须要一写再写，写到没有错误为止。

--《画说》

画家自身便认为是上帝，有创造万物的特权本领。画中要它 下雨就可以下雨，要出太阳就可以出太阳。造化在我手里，不为万物所驱使，这里缺少一山峰，便加上一个山峰；那里该删去一堆乱石，心中有个神仙境界，就可以 画出一个神仙境界。这就是科学家所谓的改造自然，也就是古人所说的"笔补造化天无功"。总之，画家可以在画中创造另一个天地，要如何去画，就如何去画。有 时要表现现实，有时也不能太顾现实，这种取舍，全凭自己思想。何以如此？简略地说，大抵画一种东西，不应当求太像，也不应当故意求不像。求它像，当然不如 摄影，如就它不像，那有何以画它呢？所以一定要在像与不像之间，得到超物的天趣，方算是艺术。正是古人所谓遗貌取神，又等于说我笔底下所创造的新天地，叫 识者一看自然会辨认得出来。我看到真美就画下来，不美就抛弃了它。谈到真美，当然不单指物的形态，是要悟到物的神韵。这可引证苏轼评王摩诘的两句话："画 中有诗，诗中有画。"画是无声的诗，诗是有声的画。怎样能达到这个境界呢？就是说要意在笔先，心灵一触，就能跟着笔墨表露在纸上。所以说"形成于未画之 先"，"神留于既画之后"。近代有极多物事，为古代所没有，并非都不能入画，只要用你的灵感与思想，不变更原理而得其神态，画得含有古意而又不落俗套，这 就算艺术了。

一个成功的画家，画的技能已达到画境，也就没有固定画法能够拘束他，限制他。所谓"俯拾万 物"，"从新所欲"。画得熟练了，何必墨守成规呢？但初学的人，仍以循规蹈矩、按部就班为是。古人画人物，多数以渔樵耕读为对象，这是象征士大夫归隐后的 清高生活，不是以这四种为谋生道路，后人不知此意，画得愁眉苦脸，大有靠此为生，孜孜为利的样子，全无精神寄托之意，岂不可笑！梅兰菊竹，各有身份，代表 与者受者的风骨性格，又是花卉画法的祖宗，想不到现在竟成了陈言滥套！现在就我个人学画的经验略写几点在下面与大家研究：

（一） 临摹 勾勒线条来就规矩法度。

（二） 写生 了解物理，观察物态，体会物情。

（三） 立意 人物、故事、山水、花卉，虽小景要有大寄托。

（四） 创境 自出新意，力去陈腐。

（五） 求雅 读书养性，摆脱尘俗。

（六） 求骨气，去废笔。

（七） 布局为次，气韵为先。

（八） 遗貌取神，不背原理。

（九） 笔放心闲，不得矜才使气。

（十） 揣摩前人要能脱胎换骨，不可因袭盗窃。

（十一）传情记事 如写蔡琰归汉，杨妃病齿，湓浦秋风等图。

（十二）大结构 如穆天子传，屈子离骚，唐文皇便桥会盟，郭汾阳单骑见虏等图。

--《画说》

三、关于敦煌壁画

我以为，敦煌壁画对于中国画坛，有十大影响，现分述于下：

第一，是佛像、人像画的抬头。

中国自有图画以来，在我前面所述，是先有人物画，次有佛像画。山水不过是一种陪衬人物的。到了后来，山 水独立成宗，再加以有南宗水墨、北宋金碧的分别，而文人便以为南宗山水是画的正宗，连北宗也被摒斥在"画匠"之列，不只是将人物佛像花卉，看作别裁异派，甚至也认为是匠人画。自宋元到今天，这种见解，牢不可破，而画的领域，也越来越狭小。不知古代所谓大画家，如所说的"曹衣出水，吴带当风"这些话，都是指 画人物而言；所谓"颊上添毫"、"画龙点睛"这些话，也都是指人物画。到后来，曹、吴之作不可见，而一般画人物的，又苦于没有学问，不敢和山水画争衡，所 以一天一天地衰落下去。到了敦煌佛像人像被发现之后，这一下子才知道古人所注意的，最初还是人物而不是山水，况且又是六代三唐名家高手的作品，这一下子才 把人像画的地位提高，将人物画的本来价值恢复。因为眼前摆下了许多名迹，这才使人们的耳目视听为之一新，才不敢轻诋人物画，至少使人物画的地位，和山水画 并峙画坛。

第二，是线条的被重视。

"书画同源"这句话，在我国艺坛里是极普遍地流传着。当然，绘画的方法，和写字也有相当的差别，如皴、擦、点、染这些方法，在书法上是绝对不能相通的；而能相通的，恐怕只有山水的画法和人物画的线条画法。皴法当然是要用中锋一笔一笔地写下去，而人物画的线 条，尤其是要有刚劲的笔力，一条一条地划下去，如果没有笔力，哪能够胜任？中国有一种白描的画法，即是专门用线条来表现。可惜后来人物画衰落，画家不愿意 画人物，而匠人们能画人物，却又不懂得线条的重要。所以一直到敦煌佛像发现以后，他们那种线条的劲秀绝伦，简直和画家所说的"铁画银钩"一般，这又是证明 敦煌的画壁，如果不是善书的人，线条，绝对不会画得如此的好。而画人像、佛像最重要的便是线条，这可以说是离不开的。所以自从佛像恢复从前的画坛地位以 后，这线条画也就同时复活了。

第三，是勾染方法的复古。

我们中国画学，之所以一天一天地走下坡路，当然缘故很多，不过"薄"的一个字却是致命伤。所谓"气韵 薄"、"神态薄"，这些话固然近于抽象，然而我国画家对于勾勒，多半不肯下功夫，对于颜料，也不十分考究，所以越显得退步。我们试看敦煌壁画，不管是哪一 个朝代，哪一派作风，但他们总是用重颜料，即是矿物质原料，而不用植物性的颜料。他们认为这是垂之久远要经过若干千年的东西，所以对于设色绝不草率。并且 上色还不只一次，必定在二三次以上，这才使画的颜色，厚上加厚，美上加美。而他们勾勒的方法，是先在壁上起稿时描一道，到全部画好了，这初时所描线条，已 经被颜色所掩盖看不见，必须再在颜色上描一道，也就是完成工作的最后一道描。唐画起首的一道描往往有草率的，第二道描将一切部位改正，但在最后一道描，却 都很精妙地全神点出。而且在部位等方面，这最后一道描与第二道描，有时也不免有出入。壁画是集体的制作，在这里看出，高手的作家，经常是作决定性的最后一 描！有了这种勾染方法。所以才会产生这敦煌崇高的艺术，所以我们画坛也因此学会古代勾染的方法了。

第四，是使画坛的小巧作风变为伟大。

我们古代的画从画壁开始，然后转到卷轴上去。以壁来论，总是寻丈或若干丈的局面，不管所画的是人物是故 事，这种场面是够伟大的。到后来因为卷轴画盛行，由屏风障子变而为屏幅中堂。画壁之风衰歇以后，卷轴长的的有过丈的，但是高度不过一二尺，屏幅中堂等等也 不过三四尺高一二尺宽而已，因为过于宽大，是不便于携带的。到后来再转而为扇面斗方，那局面只限制到一尺见方的范围，尺度越来越小，画的境界也越来越隘，泱泱大风，恐怕要衰歇绝灭了。我们看了敦煌壁画后，如画的供养人，多半是五六尺的高度；至于经变、地狱变相、出行图等等，那局面真是伟大，人物真是繁多；再至于极乐世界的楼台花木人物等等，大逾数丈，繁不胜数，真是叹观止矣！我尝说，会作文章的一生必要作几篇大文章，如记国家、人物的兴废，或学术上的创见 特解，这才可以站得住；画家也必要有几幅伟大的画，才能够在画坛立足。所谓大者，一方面是在面积上讲，一方面却是在题材上讲，必定要能在寻丈绢素之上，画 出繁复的画，这才见本领，才见魄力。如果没有大的气慨，大的心胸，哪里可以画出伟大场面的画？！我们得着敦煌画壁的启示，我们一方面敬佩先民精神的伟大，另一方面却也要从画坛的狭隘局面挽救扩大起来，这才够得上谈画，够得上学画。

第五，是把画坛的苟简之风变为精密了。

我国古代的画，不论其为人物山水宫室花木，没有不十分精细的。就拿唐宋人的山水画而论，也是千岩万壑，繁复异常，精细无比，不只北宗如此，南宗也是如此。不知道后人怎样闹出文人画的派别，以为写意只要几笔就够了。我们要明白，像元代的倪云林、清初的石涛、八大他们，最初也都经过细针密镂的功夫，然后由复杂精细变为简古淡远，只要几笔便可以把寄托怀抱写出来，然后自成一派，并不是一开始便随便涂上几笔，便以 为这就是文人写意的山水。不过自文人画盛行以后，这种苟简的风气，普遍弥漫在画坛里，而把古人的精意苦心都埋没了。我们看了敦煌壁画，不只佛像衣褐华饰，处处都极经意，而出行图、经变图那些人物、器具、车马的繁盛，如果不用细工夫，哪能本会得出来？看了壁画，才知道古人心思的周密，精神的圆到，而对于艺术 的真实，不惜工夫，不惜工本，不厌求详的精密的态度，真值得后人警省。杜工部不是有"五日画一水，十日画一石"的诗句么，画家何以画水画石，要这许多工 夫？这就是表示画家矜慎不肯苟且的作风。所以我说有了敦煌壁画的精巧缜密，这才挽救了中国画坛苟且的风气。

第六，是对画佛与菩萨像有了精确的认识。

我国因后来山水画的盛行，画人物画佛像画都衰落下去，差不多沦于工匠手中，就是能够以画佛名家的，也不 过画达摩式的佛像、女相的观世菩萨而已。至于天释是个什么样子，飞天和夜叉这两个名词虽然流传人口，到底又是何种样子，可以说是全不知道。画坛衰落到这个 地步，真是令人气短！但在敦煌壁画发现以后，这才给我们以佛、菩萨及各种飞天、夜叉的真像，我们才晓得观世音菩萨在古代的男像，是有胡须的，不只是后来画 一绝美女人，便指以为是观世音菩萨。本来，菩萨男、女相本没有什么可以争执的，因为《普门口》上曾说过，凡是世人应该用什么形态得"度"的，观世音菩萨便 现何种形态给他讲说佛法，有时现丈夫身，有时现女人身，有时现宰官身。这就是说，对于某界人要叫他信佛法，必定要现出那一界人的形态、服饰及语言等等，要 一切相像，才能接近他们。如果现丈夫身而为女人们说法，那女人们不会被骇跑了么？这也像后来外国人要到中国传教，必定学中国方言，说得纯熟，然后再穿长袍 马褂，这才可以和中国非知识分子接近，这才可以布道一样，是一个道理。我因谈自敦煌佛画而得到各种佛、菩萨像的精确性，不觉扯了一大堆的话，然而这道理是 真实的啊!

第七，是女人都变为健美。

近代因为中国国势衰弱，而画家所画人物，尤其是美女，无论仇十洲也好，唐六如也好，都走上文弱一条路 上，多半是病态的林黛玉型的美人。因为中国一般人的看法，女人是要身段苗条，弱不禁风，才足以表现东方优美的典型。这一直相沿下来好几百年，无人起来做一 种纠正运动。到了敦煌画面世，所有画的女人，无论是近事女、供养人或国夫人、后妃之属，大半是丰腴的、健美的、高大的。我们看北魏所画的清瘦之相，而到了 唐代便全部人像都变成肥大了。这也可证明唐代的昌盛，大家都够营养，美人更有丰富的食品，所以都养的胖胖的。因为画家是写实的，所以就把唐人胖美人写下来 了。后来玄宗宠爱的杨贵妃，也是著名的丰腴之流，或者唐代风尚如此也未可知。但在画坛里，我们画了林黛玉型的美人，差不多有好几百年了，忽然来一个新典 型，杨贵妃式的胖美人，当然可以掀动画坛。所以现在写美人的，也都注意到健美这一点了。

第八，是有关史实的画走向写实的路上去了。

中国古来作画，没有不是写实的。到了写意山水画出世，人物的一切衣服装饰，便多半以写意为之。中国在胡 人侵入之后，如元代画家，因为讨厌胡人衣服，所以在山水人物画里所表现的，都是汉代衣冠，表示不忘宗国的意思，原来是值得称颂的。但为写实起见，为表现时 代起见，我们便不能不把但是的衣冠饰物等一切实物都绘到纸绢上面去，才能表现某一时代的人物；而人物又因服装的不同，又可表现他们的身份。我们看敦煌壁 画，在初期六朝时期，华夷杂处，窄袖短衣，人多胡服。又唐人多用昆仑奴，而画里富贵人家的侍从，总有一碧眼大汉，高鼻深目，很像洋人，大概即是昆仓山脉下 西域诸国的人。北魏妇女多披大衣，有反领和皮领，又披肩和围巾，式样简直如近代时髦装束。所有近代所用的手杖及推儿车，唐朝也多。如果他们不是写实，我们 又何从知道古代的风俗装束呢？我们今天的绘画，也是要使后来一千几百年后的人，知道我们现在的一切制度装束。所以敦煌壁画给我们写实的启示，也是很值得去 学的。

第九，是写佛画却要超现实来适合本国人的口味了。

上面我们不是说过，写史实风俗一切是要照当时描写么，至于画佛像画，在敦煌壁画里，又适得其反。在北魏 时期，所画的佛像，还是清瘦的印度人相，这当然是依着印度携来的佛像来画的。但到了唐代，不只佛像完全像中国人，面圆而体胖，鼻低而目秀，就连所有的楼台 宫室一切，也都画成中国形式了。我们看极乐世界图便可以看得很清楚。这是什么道理呢？我以为有两个原因：因为佛是超世界的，超现实的，所以要用超万有、超 事物的笔法来画他，才足以表示庄严；第二是佛教到了中国，为使中国人发生崇敬思想而起信，虬髯瘦骨的印度人是中国人所不欢迎的，所以到了唐代，就都变成了 中国人了，这也可以说是应以中国人身得度者，所以显示出中国人的形象。又关于图案，自汉以来，都是以超脱的意境来画的，所表现在图案上的，完全是站在云端 看世界，如飞凤云龙等等，都是超现实，是其他民族所意会不到的。到了佛教进入中国，中国图案的作风，接着又是一变。这一变，可说是由超脱的反归于内省的，从敏慧的进入到大彻大悟的境界。线条是动中见静，色彩是闹中有定，题材是广大超逸的，拿近代的话来讲，是高贵的又是大众的，这一变动超乎于世界各国图案之 上了。这就表明：凡画佛教的佛像和附带的图案画等等，不必与现实相似，最要紧的超物的观念，合于本国人视听的写法，才是最成功的！

第十，是西洋画不足以骇倒我国的画坛了。

在图画的基本上讲来，我想无论古今中外，总有一个共同的原则，那就是"物极必反"。这话怎么讲呢？那便 是最初的画，一定是简单的，后来渐渐的复杂，到了复杂之极，又要趋于简单，但这第二个简单所包含的意味，便不同于第一次的。最初我们总要刻意画得像实物，太像了，我们又要把它画得不太像，或者几笔简单的笔意，而控制或代表复杂的景物。前者是写实，后者便是所谓写意。写意写到太过笔简，人们以为不够味，又会 回到写实上面去。这就如春夏秋冬四时的循环，并没有什么高下、是非、好坏，只是相继相代，去旧务新的办法。但经过若干年之后，也许我们以为极新的，哪知却 是极旧的；以为是外国人所独创的，哪知道就是中国古代几千年前便有而后来被暂时扬弃的！

－《谈敦煌壁画》